Category: музыка

ПАМЯТНИК ЧАЙКОВСКОМУ



Широко известный с некоторых пор Игорь Чайка не так давно обещал превратить подмосковный Клин в Зальцбург – в Зальцбурге, мол, родился Моцарт, а в Клину – Чайковский. Местные власти подошли к решению вопроса своеобразно – памятник Чайковскому... собрались убрать из центра города.

Объявлено о таких планах было еще летом:

За прошедшие 22 года Клин изменился до неузнаваемости. Уже нет ни Дома культуры /здание передано Русской Православной Церкви для восстановления Собора Святой Живоначальной Троицы/, ни Советской площади. Клинчане все чаще называют ее Соборной, как она называлась в дореволюционные годы. Большие изменения претерпела и усадьба Майданово.<...>

"Именно с Майданово началось знакомство Чайковского с Клинским краем. Однако, в усадьбе до наших дней не сохранилось ни одного объекта, напрямую связанного с Чайковским. Именно поэтому мы считаем правильной идею краеведов Клина, предложивших перенести памятник Чайковскому именно сюда, в Майданово, где Чайковский жил, творил и был по-настоящему счастлив", – рассказала Алена Сокольская.

Алена Сокольская – глава Клинского района. Очевидно, собор упоминается в сообщении ее пресс-службы не случайно, о нем писала еще 2 года назад газета "Труд" – опять-таки в связи с памятником:

А тут еще из центрального сквера города планируется убрать памятник Чайковскому — он-де стоит спиной к городскому клубу. Ну и что, спросите вы, сидит же в Москве бронзовый Петр Ильич спиной к консерватории? Оказывается, клуб — бывший храм, который возвращается церкви, а церковь у нас в последнее время стала обидчива...

"Российская газета" же приводит слова Елены Кондрашиной, директора Клинского музейного объединения:

В центре города памятник должен быть, но, безусловно, это должен быть памятник не Чайковскому.

А почему не Чайковскому? Версия Александра Морозова:

У патриотической общественности нет общего мнения относительно Чайковского. Одни считают, что его оклеветали, другие, что он все-таки был "как кевин спейси". Однако – на всякий случай – в Клину началась кампания за то, чтобы убрать памятник Чайковскому из центра города. А на его месте поставить не вызывающий никаких сомнений монумент "700 лет Клину". Дирижер Федосеев, как пишет Российская газета, просто в изумлении машет руками, ничего не может сказать, кроме "я не могу себе представить...". Тут хочется сказать: "а пора уже начать себе представлять!".

Именно с цитируемой выше публикации в "Российской газете" во вторник началось бурное обсуждение судьбы памятника в Сети.

Это странное и варварское по своей сути решение было принято прошлым летом. Предыстории у этого решения никакой нет. Есть только факт, что руководство города распорядилось на выделенные к 700-летию Клина средства возвести городской монумент. И ничего лучшего, чем демонтировать с этой целью памятник Чайковскому, установленный в историческом центре города, местные чиновники придумать не смогли.

Но что собираются поставить на месте Чайковского? Очевидно, под мнением краеведов имеется в виду следующее:

Мы считаем, что этот юбилей отличный повод привести наш город в порядок. У краеведов есть предложения, которые, надеюсь, услышат районные власти.

В Клину нужно навести порядок в историческом центре города, конечно, всё зависит от финансирования. Хотелось бы, чтобы появился памятник древнему Клину. Может быть, стоит объявить конкурс среди скульпторов и художников на проект, в результате которого решится, каким он будет, и где будет размещаться.

Опрос о том, какой памятник установить к 700-летию Клина, действительно был проведен.

Вот варианты:


Власти вроде выбрали то, что слева вверху. Даже комментировать не хочется.

Отсюда:
https://www.svoboda.org/a/28826422.html



ВЕНСКИЙ ФИЛАРМОНИЧЕСКИЙ. 175 ЛЕТ

ВЕНСКИЙ ФИЛАРМОНИЧЕСКИЙ: 175 ЛЕТ ЛУЧШЕМУ В МИРЕ ОРКЕСТРУ

Этот ансамбль - хранитель венской музыкальной традиции. Он по праву считается одним из лучших в мире. Одно только то, что его знаменитые новогодние концерты транслируются в 90 странах, говорит само за себя.


Концерт в честь наступления Нового Года

Венский филармонический оркестр по праву считается одним из лучших в мире. Одно только то, что его знаменитые новогодние концерты транслируются в 90 странах, говорит само за себя. По традиции, основу программы этих выступлений неизменно составляют творения выдающихся венских композиторов из семьи Штраусов (Strauss). Но вообще репертуар ни одного другого коллектива не включает столько вальсов, полек, музыкальных сказок и музыки оперетт, сколько входит в репертуар Венского филармонического оркестра.

Рихард Вагнер (Richard Wagner) считал его одним из "самых выдающихся в мире", Антон Брукнер (Anton Bruckner) – "самым высококлассным музыкальным ансамблем". Высочайшей оценке удостаивали венский коллектив Иоганнес Брамс (Johannes Brahms) и Густав Малер (Gustav Mahler), а Рихард Штраус (Richard Strauss) вообще считал, что эта команда музыкантов выше всякой похвалы. В 2017 году легендарный коллектив празднует свое 175-летие.

Сами себе хозяева

Изначально музыканты будущего Венского филармонического оркестра играли в симфоническом оркестре оперного театра при королевском дворе, и лишь от случая к случаю их задействовали в концертах венской классики – так называемых "филармонических академиях". Но весной 1842 года композитор и дирижер Отто Николаи (Otto Nicolai) поднял вопрос о создании профессионального оркестра, который постоянно выступал бы с подобными концертами вне стен оперного театра.




Серебряная монета, выпущенная в честь 175-летнего юбилея оркестра

Днем рождения уникального ансамбля считается 28 марта 1842 года, когда оркестр дал свой первый концерт под управлением Отто Николаи. В честь 175-летия со дня этого выступления в Австрии недавно выпущена серебряная монета с изображением тройки основателей оркестра – Отто Николаи, а также казначея Августа Шмидта (August Schmidt) и юриста Альфреда-Юлиуса Бехера (Alfred Julius Becher).

Отто Николаи разработал для оркестра совершенно уникальный и актуальный по сей день устав, согласно которому этот коллектив стал полностью независимым, а все важные решения принимаются общим голосованием музыкантов. Особенность Венского филармонического оркестра состоит и в том, что в нем нет художественного руководителя, а контракты с дирижерами никогда не заключаются на длительный срок. Музыканты сами организуют свои концерты и делят между собой прибыль.

Стать музыкантом оркестра совсем не просто. Как пояснил в беседе с Deutsche Welle гобоист этого коллектива Вольфганг Планк (Wolfgang Plank), сначала кандидат должен пройти по конкурсу в Венскую оперу, отыграть там три года, и только тогда он может рассчитывать на то, что время от времени его будут приглашать для участия в концертах Венского филармонического. Ну, а в основной состав вообще попадают лишь избранные счастливчики.

Под управлением корифеев

У этого оркестра совершенно особенное звучание - потрясающее по чистоте, глубине, силе и мощи, богатству и яркости. Важную лепту внесли в это выдающиеся дирижеры, в разное время избиравшиеся музыкантами для управления оркестром. В первую очередь, это легендарный австро-венгерский оперный и симфонический дирижер Ханс Рихтер (Hans Richter), работавший здесь с 1875 по 1898 годы. Его период именуют "золотым веком" в истории ансамбля.

Среди тех, кто дирижировал оркестром или выступал с ним в качестве солиста, были такие корифеи, как Малер, Вагнер, Брамс, Джузеппе Верди, Антон Брукнер (Anton Bruckner), Ференц Лист...

В общей сложности, около семи тысяч концертов дал за свою 175-летнюю историю Венский филармонический оркестр. C гастролей он начал и свой юбилейный год. Они открылись с концерта в Карнеги-холле в Нью-Йорке. Затем любители музыки встречали коллектив во Флориде и Северной Каролине. Сейчас за пультом стоит латвийский дирижер Андрис Нелсонс. Он руководит оркестром во время шести концертов, которые легендарная команда начиная с 26 марта, дает в Европе: в Вене, Париже, Франкфурте-на-Майне и Дортмунде.

Отсюда:
Постоянная ссылка http://p.dw.com/p/2ZlGS


И еще немного:
Wiener Philharmoniker считается одним из лучших в мире.

Основным концертным залом оркестра является нем. Musikverein — концертный зал Общества любителей музыки (Gesellschaft der Musikfreunde). Музыканты набираются из оркестра Венской оперы, где они должны перед этим отыграть не менее трёх лет.


Программа первого филармонического концерта в Вене 28 марта 1842 года

До исторического для Вены дня — 28 марта 1842 года — профессиональные оркестры в столице Австрийской империи существовали только при оперных театрах и при дворе (Придворная капелла); для публичных симфонических концертов приглашали либо один из этих оркестров, либо специально составленный, не всегда из профессиональных музыкантов, ансамбль. Потребность в оркестрах высокой квалификации для проведения публичных концертов ощущалась уже в начале XIX века; для этой цели, не в последнюю очередь, Общество любителей музыки создавало Венскую консерваторию. Однако образованный при Обществе симфонический оркестр первое время лишь усиливал оркестр Придворной оперы; только в 1830 году был сделан наконец обратный ход, когда капельмейстер Придворной оперы Франц Лахнер исполнил с этим ансамблем симфонии Людвига ван Бетховена

Днём рождения оркестра считается 28 марта 1842 года, когда Отто Николаи, назначенный в 1841 году капельмейстером Картнер-театра, провёл с тем же ансамблем большой симфонический концерт («филармоническую академию»), составленный из произведений венской классики. Именно с этого времени концерты оркестра стали проводиться регулярно — до 1847 года, когда Николаи покинул Вену.

После ухода Николаи для оркестра наступил период стагнации, связанный прежде всего с отсутствием опытного администратора. Важной вехой в истории Венского филармонического стало 15 января 1860 года, когда директор Венской оперы Карл Экерт провёл первый из четырёх абонементных концертов. С этого момента начинается история регулярных «Филармонических концертов» в Вене.

Первое выступление оркестра за рубежом состоялось в 1900 году — на Всемирной выставке в Париже, под управлением Густава Малера. Первые длительные гастроли оркестр предпринял уже под руководством Феликса Вейнгартнера, совершив в 1922 году тур по Латинской Америке.

И в настоящее время Венский филармонический оркестр формально остаётся филармоническим оркестром Венской государственной оперы, где проходят обязательную стажировку все музыканты.

Оркестру принадлежит честь первого исполнения целого ряда сочинений, в том числе, под управлением Ханса Рихтера, Симфонии № 2 и Симфонии № 3 Иоганнеса Брамса, Симфонии № 8 Антона Брукнера.

Главные и приглашённые дирижёры

Венский филармонический оркестр никогда не имел художественного руководителя и не заключал контракты с дирижёрами на сколько-нибудь длительный срок. До 1933 года каждый год общим голосованием избирался так называемый «абонементный» дирижёр (Abonnementdirigent) для проведения сезона в Musikverein, хотя на протяжении ряда лет это мог быть и один и тот же дирижёр, как, например, Отто Дессоф в 1860—1875 годах, Ханс Рихтер в 1875—1882 и в 1883—1898 годах (с его именем связан «золотой век» оркестра), Феликс Вейнгартнер в 1908—1927 годах или Густав Малер в 1898—1901. Кроме того, отдельно приглашались гастролирующие дирижёры для управления оркестром на фестивалях, а также для участия в традиционных Новогоднем концерте и Концерте в летнюю ночь. С 1933 года оркестр работает без главного дирижёра, имея при этом, помимо гастролёров, несколько приглашённых дирижёров, сотрудничающих с Венской филармонией на постоянной основе, иногда на протяжении десятилетий. Среди приглашённых дирижёров были такие знаменитости, как Вильгельм Фуртвенглер, который в 1933—1945 и в 1947—1954 годах фактически, хотя и неофициально был главным дирижёром оркестра, Карл Бём, Герберт фон Караян, Карло Мария Джулини, Леонард Бернстайн, Георг Шолти, Валерий Гергиев и другие.

Своим любимым дирижёрам, как и наиболее выдающимся артистам оркестра, Венская филармония в знак благодарности за длительное и плодотворное сотрудничество вручает почётное Золотое кольцо (Ehrenring). Среди дирижёров, награждённых этим кольцом, — Карло Мария Джулини (1990), Бернард Хайтинк (1997), Пьер Булез (2007).

Заслуги дирижёров перед оркестром Венская филармония отмечает также Золотой медалью Николаи (Nicolai-Medaille in Gold); этой медали удостоены, в частности, Карл Шурихт, Карл Бём, Леонард Бернстайн, Риккардо Мути (2001).


Реверс монеты «Венская филармония»

    Венский филармонический оркестр ежегодно проводит традиционный Новогодний концерт. Аудитория телезрителей концерта по всему миру составила, по оценочным данным 2010 г., 50 миллионов человек из 72 стран.

    С 1989 года в честь Венской филармонии выпускаются золотые монеты. Сначала это были монеты в 2000 шиллингов (31,1 г — унция золота), а также 500 шиллингов (7,8 г); позже к ним добавились монеты номиналом в 200 шиллингов (3,1 г — 1/10 унции) и в 1000 шиллингов (15,55 г). В 1992, 1995, 1996 и 2000 годах Всемирная ассоциации золота (World Gold Council) признавала «Венскую филармонию» наиболее продаваемой золотой монетой в мире. С переходом на единую европейскую валюту появились монеты номиналом в 100 евро и, наконец, 1 января 2004 года, одна из самых крупных золотых монет в мире — так называемый Большой Фил, достоинством в 100 000 евро. Дизайн монет остается неизменным с 1989 года.

2016.03.11. БОЛЬШОЙ. КАМЕННЫЙ ГОСТЬ

Александр Сергеевич ДАРГОМЫЖСКИЙ (1813–1869)


Портрет (1869) работы К. МАКОВСКОГО

КАМЕННЫЙ ГОСТЬ (1866–1869)

Либретто композитора по одноименной трагедии Александра ПУШКИНА

Дирижер-постановщик — Антон ГРИШАНИН
Режиссер-постановщик — Дмитрий БЕЛЯНУШКИН
Художник-сценограф — Виктор ШИЛЬКРОТ
Художник по костюмам — Ирэна БЕЛОУСОВА
Художник по свету — Евгений ВИНОГРАДОВ

СРЕДНЕВЕКОВЫЙ ТРИЛЛЕР О НАСТОЯЩЕЙ ЛЮБВИ

История севильского аристократа Дона Хуана Тенорио стала одним из самых востребованных театральных сюжетов. Подсчитать все его вариации, когда-либо представленные на сцене, просто невозможно! Миф о Дон Жуане стал одним из любимейших в культуре, а образ героя – знаковым и всеобъемлющим. Каждая эпоха находила в нем что-то свое. Из «озорника» он превращался в философа, из скептика – в неврастеника, из бунтаря – в пылкого влюбленного. Дон Жуан успел побывать завоевателем и декадентом, сверхчеловеком и мечтателем. Проклятый и прощенный, бросающий вызов мирозданию и раскаявшийся – этот герой стал своего рода лакмусовой бумажкой для каждой эпохи. И порой появление его обозначало новый рубеж в искусстве, а обращение к этому сюжету стало для многих авторов своеобразным манифестом.

Так получилось и с «Каменным гостем» Даргомыжского – одной из самых смелых новаторских опер второй половины XIX века. Идея «Каменного гостя» возникла у Даргомыжского в 1863 г., однако за сочинение оперы он взялся лишь три года спустя – по словам автора, его пугала необычность и смелость задачи. Работа над оперой продвигалась медленно: состояние здоровья композитора начало стремительно ухудшаться.

«Несмотря на тяжкое мое состояние, — я затянул лебединую песню... Вы поймете, что это за труд, когда узнаете, что я пишу музыку на текст Пушкина, не изменяя и не прибавляя ни одного слова. Большинство наших любителей музыки и газетных писак не признаёт во мне вдохновения. Рутинный взгляд их ищет льстивых для слуха мелодий, за которыми я не гонюсь. Я не намерен низводить музыку до забавы. Хочу, чтобы звук прямо выражал слово. Хочу правды».



Антон Гришанин
<lj-cut>
«Каменный гость» еще во время написания вызвал большой интерес. На музыкальных вечерах кучкистов композитор регулярно знакомил друзей с новыми страницами оперы, повторяя: «Если умру, не успев дописать «Каменного гостя», пусть Кюи его досочинит, а Корсаков — оркеструет».

«Ему было известно, что он более не встанет, - писал Владимир Стасов, - он выносил невыразимые страдания от унесшей его болезни, и, однако же, несмотря ни на что, он продолжал сочинять и слабою рукою доканчивал свою оперу, лучшее и совершеннейшее свое создание, ясно понимая все великое ее значение и торопясь, чтоб смерть его не предупредила. Эта победа духа над телом, это торжество творческого духа над самыми невыносимыми страданиями, эта беспредельная преданность делу, которым одним только и полна вся душа, — это ли еще не величие! И действительно, такие колоссальные создания, как "Каменный гость", могут исходить из головы только того, для кого создание его творческого духа — все, вся жизнь, вся любовь, все существование его».

17 января 1869 г. Даргомыжского не стало, композитор умер с раскрытой рукописью «Каменного гостя» на руках. Остались недописанными последние одиннадцать стихов первой картины. Кюи и Римский-Корсаков завершили оперу в 1870 г. А 16 февраля 1872 г. она была впервые представлена в Мариинском театре.
Collapse )
Михаил Казаков, Дмитрий Белянушкин, Федор Атаскевич

Об уникальности пушкинского героя, остросюжетности камерной оперы и возвращении к истокам рассказывает Дмитрий Белянушкин.

- Дон Жуан стал одним из главных архетипов в искусстве. Как Вы думаете, почему? Есть же, к примеру, Казанова, есть более древние версии этого персонажа…

- Дон Жуан интересней! Он не просто дамский угодник и авантюрист, он идет дальше. Дон Жуан в чем-то сродни Фаусту. Это человек вольно думающий. Он не признает общественных устоев. Живет только так, как хочет. Живет мигом.

О Дон Жуане действительно написано очень много, этот сюжет был пересказан и переработан тысячу раз. В каждом веке был свой Дон Жуан, менялось его поведение, сама его психофизика. Он был циником, поэтом эротической песни, романтиком и мыслителем. Он был героем и авантюрных комедий, и серьезных драм. А есть произведения, где Дон Жуана, как и Фауста, прощают. И даже благословляют на брак!

- А какой Дон Жуан Вам ближе?

- Мне интересен гофмановский Дон Жуан – человек, который находится в постоянном поиске смысла жизни, который ищет идеальную женщину и никак не может ее найти. Может быть, еще Дон Жуан Мюссе, хотя он более пассивен и, скорее, позволяет себя завоевать. И пушкинский Дон Гуан, конечно! Его герой вообще занимает особое место среди всех остальных Дон Жуанов, ведь он все-таки находит смысл жизни, встречает настоящую любовь. Вот это интересно! Наблюдать за героем – циником, скептиком, который все в этой жизни уже перепробовал – и вдруг влюбляется. Сколько у него было женщин по моцартовской «арии со списком»? Две тысячи шестьдесят пять! И вдруг – настоящая любовь, и она меняет его кардинально. Мне кажется, что история Пушкина и Даргомыжского именно об этом.

- Оперу «Каменный гость» называют самым точным переводом с поэтического языка н музыкальный.

- Я бы не стал называть эту оперу простым переводом трагедии Пушкина, все-таки авторский взгляд здесь есть. Даргомыжский и Пушкин идут в одном направлении, хотя, конечно, есть и различия в мелких деталях.

Оперу ждал довольно неоднозначный прием, и можно понять почему. Но «Каменный гость» оказался очень важен для русской культуры, особенно для музыкального театра. Это своего рода попытка вернуться к истокам оперного искусства. С чего начиналась опера? С «dramma per musica» – «музыкальной драмы». Музыка рождалась из слова, была очень тесно с ним связана. Вот к этой сути оперы Даргомыжский и пытается вернуться. И если мы посмотрим на дальнейшее развитие русской оперы, мы увидим очень много отголосков «Каменного гостя», прежде всего, у Мусоргского.

Конечно, для артистов это очень непростое сочинение. Ведь здесь они должны быть не просто певцами, они – актеры, которые пением действуют.


Александр Праведников, Федор Атаскевич

- Опера вся построена на тонких нюансах, переменах настроения. Сложно ли было над ней работать?

- Это невероятно затягивает! Я получаю просто безумное удовольствие от работы над интонациями, полутонами, сменой настроений. Многие артисты не привыкли к мелкой подробной работе – в опере обычно рисуют крупными мазками. А в «Каменном госте» буквально каждый такт что-то происходит: новый инструмент в оркестре меняет настроение, идут интонационные изменения в вокальной строчке… Эта работа психологически очень сложна для артиста, здесь нужно не только видеть дирижера, взаимодействовать с партнером и петь, но и очень чутко слышать музыку, реагировать на малейшие изменения в оркестре.

Понимая всю сложность работы, мы подошли к ней не совсем стандартно. В музыкальном театре не бывает застольного периода, как в драме, здесь его заменяют уроки с концертмейстером. А режиссер обычно встречается с певцом уже на мизансценических репетициях, когда партия выучена и «впета». Но в этот раз мы с дирижером Антоном Гришаниным подключились еще на этапе уроков, проходили всю партию вместе с певцом, работали над интонациями, над смыслами. В «Каменном госте» нельзя спрятаться за эффектные арии и ансамбли, здесь каждый герой виден крупным планом, и от того, как артист споет ту или иную фразу, зависит смысл.

Надо сказать, что с нами работают очень интересные, умные, думающие артисты. Работать с Анной Нечаевой и Екатериной Щербаченко – одно удовольствие! У нас прекрасные «жгучие» Лауры – Оксана Волкова, Агунда Кулаева и Юлия Мазурова. Три потрясающих Лепорелло – Михаил Казаков, Петр Мигунов и Станислав Трофимов. И три Дон Жуана – Федор Атаскевич, Сергей Радченко и Арсений Яковлев – все они разные, но каждый очень интересен. Конечно, сначала у нас были трудности. Кто-то из исполнителей даже говорил, что эту музыку вообще невозможно выучить. Но сейчас я вижу очень интересные актерские работы.

- А как Вы сами готовились к постановке?

Очень основательно! Изучал испанскую живопись, исторические реалии, прочел почти все, что написано о Дон Жуане. Могу уже диссертацию написать по Дон Жуану и испанской культуре! Так совпало, что я сейчас готовлю еще два спектакля, действие которых происходит на родине нашего героя – в Севилье. В музыкальном театре Испанию как-то особенно любили.

- Значит, Испания в спектакле будет?

- Конечно. Мы никуда не переносили действие – ни во времени, ни в пространстве. В данном случае это было бы нарочито и плакатно. Естественно, мы не ставили перед собой цели достоверно воспроизвести исторический испанский костюм или выстроить на сцене Антоньев монастырь. Но художественный образ Испании есть и в декорациях, и в костюмах.


Екатерина Щербаченко, Дмитрий Белянушкин, Петр Мигунов.
Фоторепортаж с репетиций Дамира Юсупова.

- Каким же будет Ваш «Каменный гость»?

- Мы, как и Даргомыжский в свое время, тоже решили вернуться к истокам – к рождению этого мифа. Вспомнить, кто был прототипом Дон Жуана, с чего все началось. А был реальный человек по имени Дон Хуан Тенорио – севильский аристократ, друг короля. Вместе они бесчинствовали и предавались всевозможным утехам, не обходилось без насилия и убийств. И когда Дон Хуан убил Командора, монахи-францисканцы (а церковь в Испании была тогда очень сильной) от лица незнакомки назначили ему свидание в церкви и убили. А потом распустили слух, что статуя Командора низвергла Дона Хуана Тенорио в ад.

Я решил взглянуть на «Каменного гостя» через призму вот этой, настоящей истории. И вдруг очень многое стало ясно, сразу возникли мотивы каких-то поступков, выстроилась причинно-следственная связь, и все встало на свои места. Кто такие гости Лауры? Почему в первой картине появляется монах? Зачем он говорит о Донне Анне? У нас получается такой средневековый детектив. Даже триллер, наверно. Этому, кстати, способствует сама опера. Даргомыжский ведь удивительно чувствовал время, он написал оперу с идеальным хронометражем. При этом сюжет невероятно захватывающий, а концентрация событий такова, что действие развивается просто стремительно. В финале каждой картины есть очень острое событие, и зритель будет постепенно разгадывать ребус: почему все это происходит, что связывает этих людей…

Наша детективная история – это один пласт. Но есть еще и другой, человеческий – история о том, как любовь меняет людей. В нашем спектакле приглашение Командора к Донне Анне – это не какой-то кощунственный акт. Это очень острый момент: Дон Жуан понимает, что из Мадрида ему уже не выбраться, но через себя он никогда не переступит – до конца будет жить только так, как хочет, а ведь он только что обрел смысл жизни, обрел любовь. Это момент невероятного, отчаянного счастья и одновременно вызов – смерти, системе…

- Какими Вам видятся героини оперы?

- Лаура и Донна Анна – это две разные стихии. Можно сказать, что они обе спасают Дон Жуана – каждая по-своему. Лаура близка ему по духу, он искренне ее обожает. Лаура – очень важный персонаж в нашей истории, она не просто легкомысленная актриса, каждый ее поступок наполнен определенным смыслом, даже ее романсы – не просто романсы.

А Донна Анна – единственный человек, с которым Дон Жуан может быть самим собой. В «Исповеди дона Хуана» Карела Чапека пастор говорит умирающему герою, что тот никогда не был собой, не жил настоящей жизнью. И в нашей истории точно так же: Дон Жуан меняет роли, меняет женщин и чувствует себя опустошенным. А с Донной Анной он может быть настоящим, может, наконец, сорвать все маски. Это нелегко, это больно, на это почти невозможно решиться.

У Даргомыжского есть просто гениальный момент, очень поэтический – обморок Донны Анны. Это потрясающая метафора, она есть у Пушкина, и Даргомыжский ее подхватывает. Это не бытовой обморок, это момент изменения сознания, мироощущения. Мир, который казался понятным и рациональным, вдруг кардинально меняется. Это момент рождения нового Дон Жуана и новой Донны Анны.

- А кем в Вашем спектакле будут спутник и антагонист Дон Жуана – Лепорелло и Командор?

- Лепорелло уже давно перестал быть просто слугой – наверно, с моцартовского «Дон Жуана». Из Лепорелло Даргомыжского и Пушкина частенько делают такого одумавшегося и раскаявшегося персонажа, который читает нравоучения. Мне кажется, что это не совсем так. В нашей истории он, прежде всего, самый близкий друг Дон Жуана. Но обстоятельства складываются так, что ему приходится делать очень непростой выбор.

Что касается Командора, то здесь мы специально ушли от мистического аспекта. Командор – это повод убрать неугодного человека. Он не имеет личности, мы увидим только руку. Это олицетворение той системы, против которой восстает Дон Жуан. Системы, которая перемалывает людей и ломает судьбы.

- Страшная история!

- Жуткая! Но все равно побеждает любовь.

Интервью Александре Березе

http://www.bolshoi.ru/about/press/articles/premiere/5043/

Тамара СИНЯВСКАЯ. Ария Лауры (из фильма)
https://www.youtube.com/watch?v=Q2fKJoy41Cs

Тамара СИНЯВСКАЯ, Владимир АТЛАНТОВ (из театра)
https://www.youtube.com/watch?v=8vmMoyVR3mc

Тамара СИНЯВСКАЯ Первая песня Лауры (Оделась туманом Гренада)
https://www.youtube.com/watch?v=nXXIuvBP6fo
</lj-cut>

БЕРЛИНСКАЯ СТЕНА


9 ноября 2015 года, девушка снимает на телефон цветы, принесенные через 26 лет после падения Берлинской стены 9 ноября 1989 г.


11 ноября 1989 г. Мстислав Ростропович у Берлинской стены

Мстислав Ростропович, изгнанный из Советского Союза в 1974 году после того, как он приютил на своей даче Александра Солженицына, вечер и ночь падения стены наблюдал по телевизору в своей квартире в Париже. BBC и другие телеканалы вели прямую трансляцию. "Смотрел, пил и плакал", - вспоминал Ростропович об этой ночи.

Тогда же, ночью, он начал обзванивать друзей по обе стороны бывшего "железного занавеса". Одного из них - французского банкира и предпринимателя Антуана Рибу - он без труда подбил на полет в Берлин. На личном самолете Рибу они приземлились в аэропорту Темпельхоф. Добыв где-то стул, Ростропович уселся возле бывшего контрольно-пропускного пункта "Чекпойнт Чарли" (Checkpoint Charlie) и начал играть (нет, не "Марсельезу" и не "Оду к радости") партиту Баха.

Вскоре после этого (в начале 1990 года) Мстислав Леопольдович поговорил с корреспондентом Deutsche Welle. В интервью он – как всегда, спонтанный и обаятельный - пытался на двух языках объяснить, что в день падения стены срослись две разорванные половины его собственной жизни: до и после изгнания. И началась принципиально новая эпоха. "Теперь вы станете послом России?" – спросил корреспондент (видимо, имея в виду символическое значение слова "посол". "Ну, послом, наверное, нет, - не без иронии ответил музыкант. – Но хорошим атташе!"
Collapse )

О БЕТХОВЕНЕ

Почему Бетховен оглох? Был ли он таким ворчуном, как рассказывают? Почему композитор никогда не женился? По случаю проходящего в Бонне Бетховенского фестиваля DW проводит небольшой "бетховенский ликбез".


Бетховен в возрасте 34 лет на портрете Йозефа Мелера

1. Биография гения в режиме быстрой перемотки. Точная дата рождения Бетховена (Ludwig van Beethoven) - первая из загадок его биографии. Точно известен лишь день его крестин: 17 декабря 1770 года в Бонне. Ребенком он учился играть на фортепиано, органе и скрипке. В семь лет дал первый концерт (отец хотел сделать из Людвига "второго Моцарта").

В 12 лет Бетховен начал писать свои первые сочинения с забавными названиями вроде "Элегия на смерть пуделя" (предположительно под впечатлением от кончины реального пса). В 22 года композитор уехал в Вену, где и прожил до конца жизни. Он скончался 26 марта 1827 года в возрасте 56 лет, предположительно от цирроза печени.

2. "К Элизе": Бетховен и прекрасный пол. И эта тема окружена тайнами. Факт заключается в том, что Бетховен никогда не женился. А вот сватался неоднократно - в частности, к певице Элизабет Рёккель (Elisabeth Röckel, которой, как полагает немецкий музыковед Клаус Копиц (Klaus Kopitz), посвящена знаменитая ля-минорная багатель "К Элизе") и пианистке Терезе Мальфатти. О том, кем была неведомая героиня знаменитого письма "к бессмертной возлюбленной", ученые также спорят, сходясь на кандидатуре Антонии Брентано (Antonie Brentano) как наиболее реальной.


Ужель та самая Элиза? Элизабет Рёккель

Правды мы не узнаем никогда: Бетховен тщательно скрывал обстоятельства своей личной жизни. Но близкий друг композитора Франц Вегелер (Franz Gerhard Wegeler) свидетельствовал: "В годы жизни в Вене Бетховен постоянно находился в любовных отношениях".

3. Непростой в быту человек. Неопорожненный ночной горшок под роялем, объедки среди партитур, всклокоченная шевелюра и заношенный шлафрок - и это тоже, судя по многочисленным свидетельствам, был Бетховен. Жизнерадостный молодой человек с возрастом и под влиянием недугов превратился в довольно непростого в повседневном обращении персонажа.

В своем "Гейлигенштадтском завещании", написанном в состоянии шока от осознания наступающей глухоты, Бетховен указывает именно на болезнь как на причину своего дурного характера: "О вы, люди, считающие меня злонравным, упрямым или мизантропичным - как вы несправедливы ко мне, ведь вы не знаете тайной причины того, что вам кажется. /…/ Вот уже шесть лет я пребывают в безнадежном состоянии, усугубленном невежественными врачами…"

4. Бетховен и классика. Бетховен - последний из титанов "венской классики". В общей сложности он оставил потомкам более 240 сочинений, среди них - девять завершенных симфоний, пять фортепианных концертов и 18 струнных квартетов. Он, по сути, заново изобрел жанр симфонии, в частности, впервые использовав в Девятой симфонии хор, чего до него никто не делал.

5. Единственная опера. Оперу Бетховен написал лишь одну - "Фиделио". Работа над ней далась композитору мучительно, а результат до сих пор убеждает не всех. На оперном поприще Бетховен, как указывает российский музыковед Лариса Кириллина (cleofida), вступал в полемику со своим кумиром и предшественником - Вольфгангом Амадеем Моцартом (Wolfgang Amadeus Mozart).


"Бетховен сочиняет": картина Карла Шлёссера возникла в конце XIX века

При этом, как указывает Кириллина, "концепция "Фиделио" прямо противоположна моцартовской: любовь - не слепая стихийная сила, а нравственный долг, требующий от своих избранников готовности к подвигу. Первоначальное название оперы Бетховена, "Леонора, или Супружеская любовь", отражает этот антимоцартовский моральный императив: не "так поступают все женщины", а "так должны поступать все женщины".

6. "Та-та-та-таааа!" Если верить первому биографу Бетховена Антону Шиндлеру (Anton Schindler), сам композитор говорил о начальных тактах своей Пятой симфонии: "Так сама судьба стучится в дверь!" Более близкий Бетховену человек, его ученик и друг, композитор Карл Черни (Carl Czerny) вспоминал, что "тему симфонии C-Moll Бетховену навеял крик лесной птицы"… Так или иначе: образ "поединка с судьбой" стал частью бетховенского мифа.

7. Девятая: симфония симфоний. Девятая симфония Бетховена, премьера которой состоялась 7 мая 1824 года в Вене и сопровождалась шквалом оваций, которые полностью потерявший слух композитор не мог услышать, до сих пор является непревзойденным сочинением в истории музыки. "Ода к радости" на стихи Шиллера (Friedrich Schiller) стала гимном единой Европы.

Интересный факт: при изобретении технологии записи музыки на компакт-диски именно длительность Девятой симфонии (более 70 минут) определила параметры нового формата.

8. Бетховен и революция. Радикальность представлений Бетховена о роли и значении искусства вообще и музыки в частности сделали его кумиром различных революций, в том числе и социальных. Сам композитор вел при этом вполне буржуазный образ жизни.

9. Прижимистая звезда: Бетховен и деньги. Бетховен уже при жизни был признанным гением и никогда не страдал от недостатка самомнения. Это отражалось, в частности, на его представлениях о размере гонораров. Бетховен охотно принимал заказы от щедрых и влиятельных меценатов, а с издателями порою вел финансовые переговоры в очень жестком тоне. Композитор был не миллионером, но весьма состоятельным человеком по меркам своей эпохи.

10. Глухой композитор. Бетховен начал глохнуть в возрасте 27 лет. Болезнь развивалась на протяжении двух десятилетий и полностью лишила композитора слуха к 48 годам. Новейшие исследования доказывают, что причиной стало заболевание сыпным тифом - распространенной во времена Бетховена инфекцией, которую часто переносят крысы. Однако, обладая абсолютным внутренним слухом, Бетховен мог сочинять музыку и будучи глухим. До последних лет жизни он не оставлял отчаянных - и, увы, безрезультатных, - попыток восстановить слух.

Рик Фулькер, Анастасия Буцко

Постоянная ссылка http://dw.com/p/1GVFV

НЕМЕЦКАЯ ЛЮБОВЬ ПЕТРА ИЛЬИЧА ЧАЙКОВСКОГО


В городе Любеке открылся музыкальный фестиваль федеральной земли Шлезвиг-Гольштейн. На этот раз он посвящен музыке Чайковского. С севером Германии его связывали особенные чувства.

Музыкальный фестиваль федеральной земли Шлезвиг-Гольштейн (Schleswig-Holstein MusikFestival) – один из самых престижных не только в Германии, но и во всей Европе. В этом году он проходит под знаком чествования Петра Ильича Чайковского, 175-летие которого отмечается сейчас. Великий русский композитор часто приезжал на север Германии. Особенно он любил Гамбург. "Пресса ко мне также симпатична, как и музыканты, и публика", - писал он домой.

Гамбург занимал особое место в жизни Чайковского. Этой теме даже посвящена монография немецкого исследователя Петера Феддерсена (Peter Feddersen) "Чайковский в Гамбурге", вышедшая в Германии в 2006 году. Композитор приезжал сюда в общей сложности шесть раз. Что же связывало его с этим ганзейским городом?

Первое знакомство

Впервые Чайковский, тогда еще совершено неизвестный, побывал в Гамбурге летом 1861 года – за год до поступления в консерваторию. Ему исполнился тогда 21 год, он был чиновником в министерстве юстиции в Санкт-Петербурге, и никто не мог предполагать, что в будущем его ждет слава великого композитора.

Молодой человек владел несколькими иностранными языками, и один из знакомых отца обратился к нему с просьбой сопровождать его в деловой поездке по Европе в качестве секретаря и переводчика. Так Чайковский оказался впервые в Гамбурге. Только что заново отстроенный после большого пожара город очень понравился ему, и он мечтал приехать сюда снова. Но следующий визит состоялся лишь более четверти века спустя – в январе 1888 года, когда Чайковский был уже известным композитором.

В Германию он прибыл по приглашению Гамбургского филармонического общества. Чайковского попросили приехать на гастроли в качестве дирижера созданных им произведений, в том числе знаменитого Первого концерта для фортепиано с оркестром. Выступления прошли с большим успехом. Публика была в восторге, газетные отзывы – самые благожелательные. Единственное, что угнетало Чайковского – неизбежная светская жизнь, приемы, званые обеды, поклонники из высшего общества. Он даже сбежал на какое-то время в Любек - идиллический, тихий северогерманский городок. Чайковскому очень понравился местный театр. Но как раз во время спектакля, посмотреть который композитор отправился на третий день после приезда, его узнали. И идиллии пришел конец. Чайковский решил: несмотря на все очарование Любека, ноги его в этом городе больше не будет.

В объятиях славы

Зато в Гамбург он приезжал часто. Прошло всего лишь чуть больше года - и композитора опять с почестями встречали в ганзейском городе. А 15 марта 1889 года здесь состоялась немецкая премьера его Пятой симфонии.


Гамбург в XIX веке

Автор посвятил ее выдающемуся немецкому музыканту и общественному деятелю, одному из основателей Гамбургского филармонического общества Теодору Аве-Лаллеману (Theodor Avé-Lallemant) - в знак уважения и благодарности за безукоризненную организацию концертов русского композитора в Гамбурге. Аве-Лаллеман был большим почитателем таланта Чайковского и тщетно уговаривал его остаться жить в Германии – стране с богатыми музыкальными традициями, высоким уровнем культуры и жизни.

Как бы то ни было, выступление в ганзейском городе прошло с огромным успехом. Оглушительные аплодисменты, которыми взорвался после заключительного аккорда гамбургский зал, невероятно ободрили Чайковского: отличавшийся мнительностью композитор обычно недооценивал свои творения. Он писал об этом концерте: "В Гамбурге новая симфония имела огромный успех, и принимали меня там как старого и любимого друга".

Еще дважды Чайковский приезжал в Гамбург в 1893 году. Сначала – на европейскую премьеру его оперы "Евгений Онегин". За дирижерским пультом стоял великий австриец Густав Малер (Gustav Mahler). Собственно, Чайковский поначалу намеревался дирижировать "Онегиным" сам, но увидев репетицию, уступил это право Малеру. На следующий год там же, в Гамбурге, прошла премьера "Иоланты" – и снова блестяще. Но всего два месяца спустя, 6 ноября 1893 года, Петр Ильич Чайковский скончался в Санкт-Петербурге.

Гимн творчеству Чайковского

Нынешний Schleswig-Holstein MusikFestival, площадками которого становятся залы целого ряда городов федеральной земли Шлезвиг-Гольштейн, - это настоящий гимн творчеству Чайковского. Музыканты из разных стран мира исполнят множество произведений великого композитора, среди которых - фрагменты из оперы "Евгений Онегин", балетов "Лебединое озеро" и "Щелкунчик", симфония "Зимние грезы", концерты для фортепиано с оркестром. В рамках фестиваля намечены также литературные чтения, акция "Ночь Чайковского" и симпозиум на тему "Чайковский в Германии".

"Выездные" концерты фестиваля пройдут и в здании гамбургской филармонии, где в фойе стоят бюсты музыкантов, чье творчество было связано с Гамбургом. Среди них и Петр Ильич Чайковский. В Гамбурге его чтят как великого композитора и как "старого и любимого друга".


Бывший таможенный складской квартал Шпайхерштадт (Speicherstadt) в Гамбурге




Там же зимой



Автор Наталия Королева
Постоянная ссылка http://dw.com/p/1Fvy9
По ссылке еще несколько фотографий этого квартала.

2015.04.25. БОЛЬШОЙ. СВАДЬБА ФИГАРО



Wolfgang Amadeus MOZART (1756 – 1791)

Дирижер-постановщик — Уильям ЛЕЙСИ
Режиссер-постановщик — Евгений ПИСАРЕВ
Художник-постановщик — Зиновий МАРГОЛИН
Художник по костюмам — Виктория СЕВРЮКОВА
Художник по свету — Дамир ИСМАГИЛОВ
Хореограф — Альберт АЛЬБЕРТС
Главный хормейстер — Валерий БОРИСОВ

Дирижер – Уильям ЛЕЙСИ

Граф Альмавива – Константин ШУШАКОВ
Графиня Альмавива – Анна КРАЙНИКОВА
Сюзанна, невеста Фигаро – Анна АГЛАТОВА
Фигаро – Александр ВИНОГРАДОВ
Керубино, паж графа – Юлия МАЗУРОВА
Марселина – Ирина РУБЦОВА
Бартоло, доктор из Севильи – Олег ЦЫБУЛЬКО
Базилио, учитель пения – Станислав МОСТОВОЙ
Дон Курцио, судья – Богдан ВОЛКОВ
Барбарина, дочь Антонио – Руслана КОВАЛЬ
Антонио, садовник и дядя Сюзанны – Валерий ГИЛЬМАНОВ

Партия хаммерклавира – Артем ГРИШАЕВ


Граф – Константин Шушаков, Керубино – Юлия Мазурова, Базилио – Станислав Мостовой


Граф – Константин Шушаков, Графиня – Анна Крайникова, Сюзанна – Анна Аглатова, Фигаро – Александр Виноградов


Бартоло – Олег Цыбулько, Сюзанна – Анна Аглатова, Фигаро – Александр Виноградов, Марселина – Ирина Рубцова


Сюзанна – Анна Аглатова, Графиня – Анна Крайникова


В автомобиле – Граф (Константин Шушаков)

По фотографиям видно, что все изобразительное решение следует Мондриану. Кстати, у Мондриана был проект оформления спектакля (по-видимому, неосуществленнный) именно такими вдвижными коробочками. Так и здесь: уплывают внутрь элементы расчеренной квадратами плоскости и оказываются то пространством для дуэта Фигаро и Сюзанны (предварительно дзанни втаскивают туда диванчик; вся мебель, ее очень немного, из 60-х годов прошлого века), то комнатой Графини. Иногда действие выплескивается на плоскость сцены. Позади на разных уровнях могут оказаться пейзане (хор). Керубино – этакий Элвис Пресли с красной гитарой (когда его прячут сбоку от спальни Графини и делают вид, что ключ потерян, он держит гитару так, чтобы ударить по голове любого, кто туда попадет). Всякие гэги; поскольку опера все-таки без крови, а наоборот, веселая, это не действует на нервы.

Скорее раздражала Крайникова – ну просто из рук вон. Лучше всех был Виноградов, предполагаю, что и Миминошвили, которого слышала в концертном исполнении еще с Синайским в Зале чайковского, тоже должен был быть неплох. Вообще: помимо Графини все не слишком раздражали. Шушаков – как я не понимала во время конкурса Пласидо Доминго (OPERALIA), почему он прошел дальше второго тура, так и сейчас ничего выдающегося в нем не нахожу. Ну, поет, не фальшивит, но как бы недостаточно этого. Голос просто неинтересный.

Виноградова слышу в первый раз; ниже – о нем.
Collapse )

2015.03.13. СТАСИК. ОРФЕЙ И ЭВРИДИКА


Christoph Willibald Ritter vin GLUCK (1714 – 1787)
Литография Ф. Э. Феллера

Музыкальный руководитель постановки и дирижер – Тимур ЗАНГИЕВ
Режиссёр-постановщик и хореограф – Ирина ЛЫЧАГИНА
Художник-постановщик и художник по костюмам – Карина АВТАНДИЛОВА
Главный хормейстер – Александр РЫБНОВ
Хормейстер – Владимир ПОГОРОВ
Художник по свету – Семён ШВИДКИЙ

Дата премьеры – 22 декабря 2014

Орфей – Екатерина ЛУКАШ
Эвридика – Инна КЛОЧКО
Амур – Дарья ЗАХАРОВА
Король – Денис ВЕЛЕВ


Мария-Антуанетта с розой. Элизабет Виже-Лебрен, 1783


Людовик XVI


Ария Орфея, автограф

Буквально несколько слов. В нижеприведенных рецензиях так много и полно сказано, что добавлять сложно. Мне достался как раз тот состав, который был на премьере. И вправду, Лукаш блистательна совершенно. Я ее впервые слышу. Надеюсь, не в последний раз. Эвридика в первом акте была похуже, но во втором вполне распелась, так что большая Ария ее тоже замечательно прозвучала. Что касается Амура, – мне она не показалась, сценически-то хороша, а вот вокально не слишком. Сам спектакль помимо вокальных успехов очень красивый: костюмы, весь антураж, все эти придумки с Антуанеттой и Людовиком. Так же, как и в «Тайном браке», исполнители с полным удовольствием погружаются в действие. При этом вокальная составляющая абсолютно не страдает.

Почти всегда возникает какая-нибудь смешинка. В фойе Малой сцены развешены фотографии. Если против часовой стрелки: Немирович в бабочке, Немирович в бабочке со Станиславским в галстухе, Станиславский в бабочке. И дальше я уже не помню, кто в каком порядке: Арам Хачатурян, Бурмейстер, Китаенко, Канделаки, Шостакович... Кончается Суком в меховой шапке и зимнем пальто. Сижу я на диване под Суком. Входят две тетки, смотрят поверх моей головы, одна другой говорит: «Станиславский», и, посчитав культурную составляющую исполненной, обе устремляются к буфету.

Кстати, о дирижерах. Здесь дирижировал Зангиев, о котором сказано, что он учится в Консерватории. Отсутствие диплома ничуть ему не мешает. А то, что оркестр висит над головой, надо надеяться, тьфу-тьфу, даже проговаривать не буду.
Collapse )

2015.02.16. ЗАЛ ЧАЙКОВСКОГО. ШУБЕРТ, ШУМАН. ПЛЕТНЕВ


Frédéric François CHOPIN


Franz SCHUBERT, Литография Йозефа Крихубера

Российский национальный оркестр
Дирижер – Михаил ПЛЕТНЕВ
СЕНГ ЧЖИН ЧО (фортепиано, Южная Корея)

Шопен (1810 – 1849)
Концерт № 1 для фортепиано с оркестром (1829)

Шуберт (1797 – 1828)
Симфонии №№ 5 (1816); 8, «Неоконченная» (1822)

Шуберт создавал симфонию сначала в виде наброска (дирекциона) на двух строчках и лишь затем — в партитуре. Сохранились наброски-дирекционы трёх частей, в партитуре Шуберт записал лишь две первые части симфонии, сохранилось также начало партитуры третьей части.

Симфония посвящена любительскому музыкальному обществу в Граце, которому в 1824 году были представлены 2 первые части.

Рукопись была сохранена другом Шуберта- Ансельмом Хюттенбреннером, у которого её обнаружил венский дирижёр Иоганн Хербек, впервые исполнивший симфонию в концерте венского Общества любителей музыки 17 декабря 1865 года. (Прозвучали завершённые Шубертом первые две части, а вместо отсутствующих 3-й и 4-й частей была исполнена финальная часть из ранней Третьей симфонии Шуберта ре мажор DV 200.)

В 1866 году симфония была опубликована (в виде первых двух частей). После 1822 года Шуберт к симфонии не возвращался, причины прекращения работы над ней неизвестны. Не исключено, что 3-я и 4-я часть симфонии были попросту утрачены, так как рукописи её хранились у других людей.

Долгое время была распространена точка зрения (которую отстаивали некоторые музыковеды), что двухчастность этой симфонии в действительности не означает её незавершённости, так как две известные части оставляют впечатление цельности и исчерпанности. С их точки зрения «Неоконченная» Шуберта считается первым симфоническим произведением, в котором воплотились основные черты раннего романтизма; отказ от четырёхчастного цикла классической симфонии, как в сторону увеличения, так и в сторону сокращения количества частей, в дальнейшем стал обычным для творчества композиторов-романтиков. Однако против этой версии говорит то, что завершённые Шубертом первые две части написаны в разных, далёких друг от друга тональностях. (Такие случаи не встречались ни до, ни после него.) Кроме того, помимо Симфонии си минор у Шуберта немало других поистине гениальных, смелых по замыслу сочинений, оставшихся неоконченными (среди них - Струнный квартет до минор DV 703, фортепианные сонаты До-мажор DV 840, Фа-диез минор DV 571 и др.)

Ещё в XIX веке предпринимались попытки завершения «Неоконченной» симфонии другими композиторами. В настоящее время существует несколько вариантов завершения «Неоконченной» симфонии — в частности, варианты английского музыковеда Брайана Ньюбаулда (англ. Brian Newbould) и российского композитора Антона Сафронова.

Я слышала в БЗК с Владимиром Юровским и с Третьей частью. Ужас! Автору еще хватило наглости выйти поклониться. Друзья и подруги дарили ему цветы. Впрочем, перед началом концерта он суетился и проводил их сквозь капельдинеров.

NABUCCO. VA PENSIERO. MUTI

12 марта 2011 г.

http://www.youtube.com/watch?v=gaXE0v0bJoE&feature=em-share_video_user

Teatro dell'Opera di Roma
Musica di Giuseppe Verdi

Direttore Riccardo Muti
Regia e Scene Jean-Paul Scarpitta
Maestro del Coro Roberto Gabbiani



В марте прошлого года отмечали 150 летие Италии. По этому случаю Риккардо Мути дирижировал в Риме оперу "Набукко" Верди. В этой опере важна не только музыка, но и политический аспект: она рассказывает о рабстве евреев в Вавилоне, и в Италии. "Хор еврейских пленников" является символом стремления народа к свободе ещё со времени, когда Италия была под оккупацией Габсбургов (Австрии), в годы, когда опера была написана.

Берлускони присутствовал на концерте. Мэр Рима вышел на сцену и выступил с речью, в которой он упомянул о сокращении бюджета по культуре по решению правительства.

Мути рассказывает: "Толпа была в восторге и аплодировали еще до начала оперы. Все шло хорошо, пока мы не дошли до хора рабов " (Va pensiero) я почувствовал напряжение в воздухе. Есть вещи, которые невозможно описать, только почувствовать их: было тихо в зале... Вы могли почувствовать солидарность публики с плачем пленных евреев: "О моя родина, такая прекрасная и утраченная".

Когда хор закончил , я начал слышать крики "бис". И толпа начала кричать: "Viva Italia Viva Verdi!" (Да здравствует Италия, да здравствует Верди!) и бросать записки патриотического содержания".

Хотя Мути не делает бисы в середине оперы, потому что опера должна исполняться последовательно от начала до конца, он не мог играть просто на бис, но сделал это с особым намерением.

Когда стихли аплодисменты он обратился к Берлускони и аудитории: "Я итальянец, но много гастролирую по всему миру, и сегодня мне стыдно от того, что происходит в моей стране, поэтому я принял вашу просьбу повторить Vа pensiero "не только из-за патриотического содержания в этом хоре, а потому что сегодня, когда я исполнял эти слова: "О, моя родина, прекрасная и утраченная", я думал, что если мы будем продолжать таким образом, мы искореним культуру, основанную на истории Италии, и наша страна действительно будет по-настоящему прекрасная и утраченная".

(Аплодисменты зрителей и исполнителей)

"Мы здесь, в итальянской атмосфере... и я, Мути, молчал в течение многих лет. Теперь я хочу придать смысл этой песне. Мы находимся у себя дома, римский театр и хор, который пел прекрасно, и оркестр, который сопровождал совершенно замечательно. Я предлагаю вам присоединиться, и мы будем петь все вместе".

Все зал встал одновременно с хором. Это был волшебный момент в опере.

В ту ночь было не просто исполнение оперы <<Набукко>, но заявление о театре столицы Италии для привлечения внимания политиков.

Отсюда:
http://intoclassics.net/news/2015-02-07-24475

Или еще
https://www.youtube.com/watch?v=G_gmtO6JnRs